1樓：匿名使用者
如果你對音響特別敏感，對聲音很有悟性，對**充滿靈性，對各種事物奇思妙想，思維跳躍，閱歷豐富，情感滿溢……
樂理是按照**音響的自然規律和物理學的原理基礎上，制定的規則。既然是前人總結的經驗，是人為的規則，就有束縛。
比如各種**的風格，其根本觀念就是，你要按照這個風格要求的規則來，否則就是不正宗的，味道不對的。舉幾個例子，僅從和聲調式角度來分析：
古典風格(以貝多芬為例)的特點：**創採用的是主調**形式，加強了旋律與和聲的對應，建立起「主—下屬—屬—主」的功能和聲進行。「通奏低音」被明確的樂器記譜取代。
搖滾風格(以jimi hendrix為例)的特點：三和絃為主體，使用附加音、掛留音增加色彩。使用和絃標記記譜。
爵士風格(以20世紀四五十年代的美國大樂隊為例)的特點：七和絃為最基本的和絃主體，大量使用引申音、趨接音。調式變化極為豐富，和絃與音階統一為一體。
現代樂派(門類太紛繁無從代表)的風格：從有調性向泛調性、無調性發展，和聲從打破3度疊置的4度和2度向微分音發展出各種音的組合，復調思維又有新的擴充套件至微復調，各種樂器的怪異的演奏手法層出不窮，這些最終都走向音響、音色創新與突破。約翰凱奇的偶然主義，以及看似機械重複的簡約主義，勳伯格的序列、點描等等太多手法的產生達成以下的共識——一切有組織的聲音形成的音響都可以看做**、一切將聲音組織成的音響的行為都可以看做是作曲（做**）。
所有的這些都是需要創新和天賦的，傳統上的樂理並不能給作曲家帶來多少幫助和靈感。
一個現代編曲作品如果沒有創新和靈性，那最多被認為是，嗯，很純正。如果一個編曲人墨守成規、固步自封，沒有創新，沒有靈性，即使他樂理在紮實、精通，ta的編曲也不會太好。
如此說來，當**延伸到音響領域，樂理的外延如果是狹義的定義範疇，那麼可能這不是必要的。
但是，我要說的是，要創造新的必須知道舊的，要突破必須知道阻礙你的藩籬是什麼。所以，樂理還是要學的。
2樓：吟唱z天堂
學做**當然要回點樂理這樣做出來的曲子才好聽新迪傑唱片學校也教樂理。
學習樂器一開始一定要學樂理嗎？
3樓：牛雄
一般來講，學習樂器之前要先學習視唱練耳，也就是說要學會看譜，當然這其中也版包括了一部分的樂理知識。權廣義上的樂理是一門兒學**的人要必修的一門專業課。如果只是業餘愛好，沒有必要全部學習這些樂理的內容，只需要達到看譜的程度就可以了。
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